El pasado 5 de junio tuve la oportunidad de asistir al Museo de Arte de Zapopan (MAZ), donde se presentó una exposición que reunió a artistas nacionales e internacionales cuyas obras exploran la relación entre el cuerpo, la indumentaria, la memoria y las estructuras sociales que influyen en nuestra manera de ver el mundo a través de la exposición ‘(Des)vestir y (Des)obedecer’ curaduría de Rodrigo Santoscoy.
Desde el inicio del recorrido de ‘(Des)vestir y (Des)obedecer’ quedó claro que la muestra iba mucho más allá de la moda o de la representación estética del cuerpo.
Cada sala proponía una reflexión distinta sobre la identidad, el deseo, la intimidad, el poder y la construcción cultural de aquello que entendemos como normal. A través de instalaciones, esculturas, pinturas, videos y piezas textiles, los artistas utilizaron la materialidad de los objetos para generar preguntas sobre la experiencia humana contemporánea.
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Conversatorio con Mela Jersma
Uno de los momentos más significativos fue la conversación con la artista neerlandesa Mela Jarsma, quien compartió su trayectoria de más de cuarenta años viviendo y trabajando en Indonesia. Durante la charla, guiada por el curador Rodrigo Santoscoy, Jarsma explicó cómo gran parte de su obra surge de problemáticas relacionadas con el colonialismo, el racismo y la pérdida de identidades culturales.
La artista abordó particularmente el papel de la vestimenta como una herramienta histórica de control social. Sus investigaciones sobre la llamada “ropa de corteza”, utilizada por comunidades indígenas antes de la colonización, muestran cómo la imposición de nuevas formas de vestir estuvo vinculada a procesos de evangelización y transformación cultural. Más que un simple objeto funcional, la ropa se convierte en un símbolo político capaz de regular comportamientos, clasificar cuerpos y moldear identidades.
Otro de los temas centrales de la conversación fue la relación entre belleza y poder. Jarsma cuestionó las representaciones idealizadas de los paisajes coloniales de Indonesia, explicando cómo detrás de aquellas imágenes aparentemente bellas existían historias de explotación, violencia y trabajo forzado. Para la artista, el arte tiene la responsabilidad de revelar aquello que permanece oculto detrás de las narrativas dominantes.
Recorriendo la exposición ‘(Des)vestir y (Des)obedecer’
Tuvimos la oportunidad de conocer el trabajo de Balleth Meccanicue, Pia Camil, Edgar Cobián, Mella Jaarsma, Mike Kelley, Sarah Lucas, Yeni Mao, Guadalupe Montes, Maximiliano Ruelas, Bárbara Sánchez-Kane, Sentimiento, Urara Tsuchiya.
Huida de huesos y Frente Abierto
Durante el recorrido también encontré el trabajo de Edgar Cobián, artista mexicano cuya práctica integra pintura, performance, música e instalación. Sus obras presentan cuerpos fragmentados, deformados y en constante transformación. A diferencia de las representaciones tradicionales del cuerpo humano, Cobián propone figuras que desafían las nociones convencionales de belleza, pudor e identidad.
Las piezas exhibidas, entre ellas “Huida de huesos” y la serie “Frente Abierto”, plantean una reflexión sobre la libertad corporal y la construcción social del deseo. Sus composiciones sugieren cuerpos que escapan a las categorías establecidas y que buscan existir fuera de las normas culturales impuestas. Lo más interesante de su propuesta es que el cuerpo deja de ser únicamente un objeto de observación para convertirse en un territorio de resistencia y cuestionamiento.
Trampa
Otra de las obras que llamó mi atención fue “Trampa”, realizada por María Isas y Mauricio Orozco. La instalación utiliza textiles recuperados, encajes y materiales domésticos para construir formas monumentales relacionadas con el duelo, la memoria y el cuidado.
La pieza transforma elementos asociados a la vida cotidiana en objetos cargados de significado emocional. Los artistas reflexionan sobre la capacidad de los materiales para conservar rastros de experiencias personales y colectivas. A través de telas, costuras y superficies acolchadas, la obra propone una mirada sensible hacia la pérdida y la importancia de los gestos de protección que acompañan los procesos de duelo.
Espacio
En otra sección de la exposición se encontraba el trabajo de Maximiliano Ruelas, quien investiga la relación entre la indumentaria, la intimidad y los mecanismos históricos de control social. Su instalación “Espacio” para asolear la ropa parte de una investigación sobre las labores domésticas y cómo estas fueron desplazadas progresivamente del espacio público al privado.
La obra hace referencia a conceptos de biopolítica desarrollados por Michel Foucault, mostrando cómo los cuerpos son regulados mediante normas de comportamiento, vestimenta y organización espacial. Lo que podría parecer una actividad cotidiana e insignificante, como tender ropa, se convierte en una herramienta para analizar la manera en que las instituciones han moldeado históricamente la vida privada.
La propuesta de Ruelas invita a reflexionar sobre la intimidad como una construcción social y no como una condición natural. En este sentido, la exposición demuestra cómo incluso las actividades más ordinarias están atravesadas por relaciones de poder que muchas veces pasan desapercibidas.
Yeni Mao
La artista canadiense Yeni Mao presentó una serie de esculturas que exploran la identidad a través de la fragmentación corporal. Utilizando materiales como acero, cuero y cerámica, sus piezas evocan restos, prótesis y vestigios de cuerpos incompletos.
Las esculturas parecen situarse en un espacio intermedio entre lo orgánico y lo arquitectónico. Más que representar cuerpos completos, sugieren ausencias, huellas y memorias. Mao plantea que la identidad no es algo fijo o permanente, sino una construcción que se encuentra en constante transformación. Su trabajo invita a pensar en la relación entre el cuerpo, los objetos y los significados culturales que atribuimos a ambos.
Balleth Meccanicue
Dentro del recorrido también destacaron propuestas internacionales que exploran la indumentaria desde perspectivas experimentales. La diseñadora Balleth Meccanicue utiliza materiales industriales como PVC, lonas y fibras sintéticas para crear prendas que parecen encontrarse en un proceso permanente de desgaste y transformación. Sus diseños cuestionan la estabilidad de la moda tradicional y presentan la ropa como un organismo vivo que cambia junto con el cuerpo.
Jocksario
Por otro lado, la obra “Jocksario” de Guadalupe Montes reúne objetos asociados a experiencias íntimas y espacios de encuentro dentro de la comunidad homosexual masculina. La pieza convierte estos elementos en una especie de altar contemporáneo donde convergen el deseo, la memoria, la espiritualidad y la vulnerabilidad.
Exploración de identidad
También destacó la presencia de artistas como Urara Tsuchiya, quien utiliza la moda, el video y la performance para transformar espacios cotidianos en escenarios de exploración identitaria, así como Sarah Lucas, cuya obra cuestiona los estereotipos de género mediante representaciones irónicas del cuerpo femenino.
Cultura de consumo
Finalmente, la exposición ‘(Des)vestir y (Des)obedecer’ incluyó el trabajo de Mike Kelley, artista reconocido por su crítica a la cultura de consumo y a los imaginarios construidos por los medios de comunicación. Sus piezas utilizan objetos cotidianos, ropa y referencias a la cultura popular para reflexionar sobre la memoria, la adolescencia y las estructuras sociales que configuran nuestra percepción de la realidad.
El arte de ‘(Des)vestir y (Des)obedecer’
Al finalizar el recorrido comprendí que la exposición no buscaba ofrecer respuestas definitivas, sino abrir espacios de reflexión. A través de distintas disciplinas y contextos culturales, los artistas coincidieron en una idea fundamental: el cuerpo funciona como un archivo donde se inscriben historias de poder, identidad, memoria y resistencia.
Más que una muestra sobre moda o arte contemporáneo, la exposición ‘(Des)vestir y (Des)obedecer’ presentada en el MAZ se convirtió en una invitación a cuestionar las narrativas que construyen nuestra forma de entender el mundo. Cada obra propuso una mirada distinta, pero todas compartieron la capacidad de recordarnos que el arte sigue siendo una herramienta crítica para pensar la sociedad y sus transformaciones. | #KaVolta 🤍, por Paulina Navarro.
